Il progetto Unfolk chiude le trasmissioni nel migliore dei modi partecipando con il brano Miniatura Luigi Russolo al prestigioso tributo di Barry Lamb. La mitica compilation datata 1980 è ritenuta un vero e proprio oggetto d’arte che ha lasciato il segno nella musica indipendente.

Questo il link per il box:

Miniatures 2020
The 62nd Gramophone Company 2xCD

The sleevenotes for Morgan Fisher’s 1980 compilation Miniatures describe how “no attempt was made to find a perfect running, order”. This is partly because the possible permutations of 51 tracks equal a figure 63 digits in length. In spite of its random sequencing (or because of it) little pockets of weirdness gather together – slapstick brass from Trevor Wishart tumbles into John White’s angular chimes, Pete Challis and Phil Diplock’s concrete “My Way” idles toward Robert Wyatt’s looped and layered vocals on “Rangers In The Night”.
Miniatures 2020 – compiled by Barry Lamb to celebrate the 40 year anniversary of Fisher’s original – seems, initially, more planned in its sequencing. Opening with Bendle & Dean Brodrick’s “I Am Sitting In A Womb” and closing with “Mass Extinction Event” by The Miniatures Family, the narrative appears to moves from fleshy creation to fiery destruction. The mad bundle in the middle, however, is less coherently ordered and closer to the thrilling but bonkers bric-a-brac of its predecessors.
Similarly, each track is also musically tight and conceptually svelte, like a sonic haiku. Limiting tracks to one minute results in an economy and urgency that is completely engaging. “Shame” by Bringers Of Change sounds like piano practice in a drained swimming pool, before the narrator flings the story into the cosmos, while
“White Christmas” by Lester Square sets pieces of Christmas songs against the sampled speech of Donald Trump. Hearing this shortly after the tense capitulation of his presidency, these unhinged rantings feel chilling, magnified somehow against the queasy festive snippets.
Like Miniatures 2, compiled and released by Fisher in 2000, the central concept is expanded and made more contemporary. The Residents return with “Irish Wife”, their usual unsettling wonk transposed to church organ, but instead of Pete Seeger’s banjo take of “Ode To Joy”, Billy Bragg electrifies it. Instead of Norman Lovett’s perfect impression of John Peel, Stewart Lee’s track “Skippy (After Frank Skinner)” takes some of the non sequitur surrealism of his spoken word work with Capri-Batterie, propping it instead against sweet guitar notes and rising feedback.
It’s one highlight on a record that contains many, each of them a perfectly machined example of discipline and craft. But this record’s greatest achievement is to capture the same peculiar spirit seeping through the original, scattering about pockets of weirdo energy so that all two hours are a joy to behold.
[Spenser Tomson, WIRE magazine]

XMAS EXCLUSIVE TRACK: On the recent “Intonarumori: ieri ed oggi” CD (on ReR Megacorp) and the final Unfolk album “File Under Oblivion” (on MP& Records) I used Audacity, a free audio software available online. On the avant-garde project I imagined a futurist interpretation of the Italian national anthem (!) while on the pop record I edited some fragments to create proto-hip hop and post-rock instrumentals… needless to say that it was so much fun: although simpler than other softwares Audacity has so many possibilities. I was lucky to have a good record collection in my family and “That Happy Christmas Feeling” by the Organ Orchestra (on RCA Camden) was one of the very first memories on Xmas day. My favourite tune on it had always been “Sleigh Ride”, its structure and melody are pure genius, and the organ arrangement on the record is just brilliant. So I couldn’t resist the temptation to create something new from the old recording; the result is akin to plunderphonics with no extra instruments added, I was surprised by the hidden harmonics of the organ and the bells during the slow speed sections, an incredible sonic world opens up if you listen with headphones. I think that the original mood is all there: in any case this is how I hear it today after living with this tune for sixty Christmases!

Special thanks to Barry Lamb.

unfolk :: the diplodisc years 2006-2014 :: diplobag!

Limited edition diplobag :: 100 copie numerate (special price) contenente i seguenti albums:

con foto e le note di Luca Ferrari (Ghettoraga blogspot).

A PERSONAL NOTE: The image of the undersigned sitting in the kitchen gluing all the cardboard covers of the first compact disc with a brush is the real starting point of the Unfolk / Diplodisc project. Born as a vehicle for my musical productions thanks to the encouragement of some friends, Diplodisc has never been a real label nor has the brand ever been registered: in fact that logo has been recycled and adapted from a CDR instruction sheet, almost a graphic sampling… but the covers (whose rights have been obtained in full legality) were extraordinary: from Alberto Martini to Paul Delvaux they perfectly represented the sounds contained within the Unfolk chapters. From a technical point of view I have always wanted to reach a level of professional production that could match the records I listened to, and even if in most cases the economic efforts were considerable, the results went well beyond my expectations. I recently celebrated 10 years of activity with a real label (MP & Records), but the period documented by this diplobag represents the departure and the slow evolution of a personal creative need: as such it was an integral part of my life; and in the case of The Venetian Book Of The Dead the music slowly developed in the local consciousness. In addition to the first Unfolk discs present here in the original versions, I take the opportunity to include Diplocomp the first and only compilation of the label: a sort of introduction to various artists connected to my work without any barrier of genres; I hope that the music that I had the pleasure of collecting on that record can be rediscovered and appreciated as if it was a very long bonus. I have never loved artists who release 2 or 3 records a year, often repetitive and without new ideas: I have always thought that the important thing is to do little and well, sometimes our creative process has been too long and tortuous, but so it must be. Although I never wanted to give a true image to the Collective, wishing the music to speak for itself, for once the live photos of the booklet can document some moments of the journey. Since those first hand-glued cards, a lot of water has passed under the bridge and, although I never set specific goals, Unfolk / Diplodisc have slowly gained a small niche in the international independent scene. In this diplobag I wanted to keep the DIY nature of our outings until the very end, creating something different: a recycled paper bag that collects our first works. Each CD is a different musical adventure: now you just have to listen!

UNA NOTA PERSONALE: L’immagine del sottoscritto seduto in cucina che incolla con un pennello tutte le copertine in cartoncino del primo compact disc, é il vero punto di partenza del progetto Unfolk/Diplodisc. Nata come veicolo della mia produzione musicale grazie all’incoraggiamento di qualche amico, Diplodisc non é mai stata una vera label nè il marchio é mai stato depositato: infatti quel logo é stato riciclato e adattato da un foglietto di istruzioni per CDR, quasi un sampling grafico… ma le copertine (i cui diritti sono stati ottenuti nella piena legalità) sono state straordinarie: da Alberto Martini a Paul Delvaux hanno rappresentato perfettamente i suoni contenuti all’interno dei capitoli Unfolk. Dal punto di vista tecnico ho sempre voluto raggiungere un livello di produzione professionale che potesse essere all’altezza dei dischi che ascoltavo, e anche se nella maggior parte dei casi gli sforzi economici sono stati notevoli, i risultati sono andati ben oltre le mie aspettative. Ho festeggiato da poco con una vera etichetta (MP& Records) i 10 anni di attività, ma il periodo documentato da questa diplobag rappresenta la partenza e la lenta evoluzione di una personale esigenza creativa: come tale é stata parte integrante della mia vita; e nel caso di The Venetian Book Of The Dead la musica si é sviluppata lentamente nella coscienza locale. Oltre ai primi dischi targati Unfolk qui presenti nelle versioni originali, colgo l’occasione di includere Diplocomp la prima e unica compilation dell’etichetta: una sorta di presentazione di vari artisti collegati al mio lavoro senza alcuna barriera stilistica; spero che la musica che ho avuto il piacere di raccogliere in quel disco, possa essere riscoperta ed apprezzata come fosse un lunghissimo bonus. Non ho mai amato gli artisti che fanno uscire 2 o 3 dischi l’anno, spesso ripetitivi e senza nuove idee: ho sempre pensato che l’importante sia fare poco e bene, talvolta il nostro processo creativo é stato fin troppo lungo e tortuoso, ma così dev’essere. Anche se non ho mai voluto dare una vera immagine al Collettivo desiderando che la musica parlasse da sola, per una volta le foto live del booklet possono documentare alcuni momenti del percorso. Da quei primi cartoncini incollati a mano ne é passata di acqua sotto i ponti e, nonostante non mi sia mai posto degli obiettivi precisi, Unfolk/Diplodisc si sono lentamente guadagnati una piccola nicchia nella scena indipendente internazionale. In questa diplobag ho voluto mantenere fino alla fine la natura fai da te (DIY) delle nostre uscite, creando qualcosa di diverso: una borsetta in carta riciclata che raccolga i nostri primi lavori. Ogni cd é una diversa avventura musicale: ora non Vi resta che ascoltare!

GREEN RECORDS PD (vetrina): thanks to Fulvio.


Chi l’avrebbe mai detto che Diplodisc e Recommended (il mio cat. preferito di musica creativa) avrebbero un giorno lavorato insieme? Sono davvero felice del risultato, un lavoro durato più di due anni e che finalmente arriva al traguardo. Inutile dire che é stato un vero onore per me.

Intonarumori: Ieri ed Oggi [£12.50] ReR1913/DSP02

New and old compositions for Luigi Russolo’s legendary Intonarumori. After publishing his visionary manifesto, the Art of Noises, in 1913, the futurist painter Luigi Russolo designed and built a revolutionary family of new instruments with which to compose with noise: black, wooden boxes, fitted with huge acoustic horns, crank-handles (to drive them) and levers (to vary the pitch). They came in different varieties – designed to give composers access to five of what Russolo had identified as ‘the six families of noise’, namely:
1. Roars, Thunderings, Explosions, Hissing roars, Bangs, Booms
2. Whistling, Hissing, Puffing
3. Whispers, Murmurs, Mumbling, Muttering, Gurgling
4 Screeching, Creaking, Rustling, Buzzing, Crackling, Scraping
5. Noises obtained by beating on metals, woods, skins, stones, pottery, etc.
6. Voices of animals and people, Shouts, Screams, Shrieks, Wails, Hoots, Howls, Death rattles, Sobs.
There followed concerts and the obligatory riots – and then war intervened; and although Russolo resumed the project afterwards it was always too extreme for the musical world to adopt, and so Russolo remained until the end of his life, a lone voice in the wilderness. By the end of the Second World War all the surviving instruments had been lost or destroyed. Until, 52 years later, in 1977, the Venice Biennale commissioned early music specialist and instrument builder Piero Verardo to research and reconstruct some of the instruments for their festival. He built twenty different varieties – and seven of these are what made this record possible. Alessandro Monti visited Professor Verardo and recorded a number of demonstrative performances on the reconstructed instruments. He then selected three percussionists: Cutler (from Henry Cow, Art Bears, Cassiber, Pere Ubu…), Karpinski (from Reportaz) and Sudnick (from Zga) to compose pieces for them. They came up with three very different approaches, which are documented here, along with short assembly by Monti himself. Also on this CD are two rare-as-hens-teeth recordings of orchestral works composed using the original instruments in the 1920s, and recorded here for the first time using the reconstructions. Beautifully packaged in a threefold digipack featuring four impressive paintings by Futurist Ivo Pannaggi and an explanatory text.

Questo é un breve trailer con estratti dal cd:

Ecco le immagini originali usate per la grafica del cd: opere di Ivo Pannaggi (1901–1981), per gentile concessione del Centro Studi Pannaggi.

il costruttore (1926)

astrazione prospettica (1925)

castello dei prigionieri (1941)

funzione architettonica h-o3 (1926)

angoscia (bozzetto gh2 realizzato per il dramma L’angoscia delle macchine)

[Andrzej Karpinski in his timeless studio!]

NOTA INTERNA (traduzione Italiana):
I futuristi hanno svolto questo compito nel campo della cultura borghese: hanno distrutto, distrutto, distrutto, senza preoccuparsi se le nuove creazioni, prodotte dalla loro attività, fossero nel complesso un’opera superiore a quella distrutta: hanno avuto fiducia in se stessi, nella foga delle energie giovani, hanno avuto la concezione netta e chiara che l’epoca nostra, l’epoca della grande industria, della grande città operaia, della vita intensa e tumultuosa, doveva avere nuove forme, di arte, di filosofia, di costume, di linguaggio: hanno avuto questa concezione nettamente rivoluzionaria, assolutamente marxista, quando i socialisti non si occupavano neppure lontanamente di simile questione, quando i socialisti certamente non avevano una concezione altrettanto precisa nel campo della politica e dell’economia, quando i socialisti si sarebbero spaventati (e si vede dallo spavento attuale di molti di essi) al pensiero che bisognava spezzare la macchina del potere borghese nello Stato e nella fabbrica. I futuristi, nel loro campo, nel campo della cultura, sono rivoluzionari; in questo campo, come opera creativa, è probabile che la classe operaia non riuscirà per molto tempo a fare di più di quanto hanno fatto i futuristi: quando sostenevano i futuristi, i gruppi operai dimostravano di non spaventarsi della distruzione, sicuri di potere, essi operai, fare poesia, pittura, dramma, come i futuristi, questi operai sostenevano la storicità, la possibilità di una cultura proletaria, creata dagli operai stessi.
(Antonio Gramsci – Socialismo e fascismo. L’Ordine Nuovo.)

Quando uscì il primo Manifesto Futurista nel 1909, il fascismo era ancora un evento lontano e Gramsci era un convinto sostenitore della sua essenza anarcoide e rivoluzionaria; purtroppo dopo gli anni ’20 le cose cambiarono drammaticamente e alla fine prevalse la tendenza Futurista più conservatrice e omologata al regime.

Simultaneità Futurista é un brano nato all’ultimo minuto per completare l’opera del cd Intonarumori: Ieri ed Oggi. Era stato pensato come una variazione moderna dell’Inno Nazionale Italiano e di Va Pensiero di cui conserva alcuni passaggi nascosti, ma é approdato ad una struttura finale in cui il rumore fa da presagio a quella che ritengo sia una conclusione sinistra dell’intera opera; quel suono indistinto e nebuloso che si ripete nel finale annuncia non solo il silenzio della distruzione degli strumenti a causa della guerra, ma anche di tante vite umane… come se qualcosa si interrompesse e venisse dimenticato dallo scorrere del tempo. In origine volevo scriverne la struttura sotto forma di diagramma con i tempi, i ritardi progressivi delle tracce, gli interventi delle citazioni, ecc. Davo per scontato che il primo tentativo sarebbe stato una prova, ma quando ho riascoltato il risultato finale, non c’é stato bisogno di farne una seconda versione. Quindi non ci sono stati calcoli scritti o studi preparatori, ma solo riferimenti visivi approssimativi sullo schermo del computer.

Mentre altre città italiane continuano ad attribuirsi la gloria di essere le uniche patrie dell’arte futurista, organizzando manifestazioni che ben poco hanno dell’originale vena dissacrante e provocatoria, in questo caso Venezia ha organizzato un ciclo di registrazioni di livello internazionale per dare nuova vita agli strumenti perduti. Il successo dell’operazione va attribuito soprattutto al talento e all’entusiasmo degli esecutori provenienti dal Regno Unito, dalla Russia, dalla Polonia e dalla stessa Venezia: a loro il mio più sentito ringraziamento.


Sono stato recentemente ospite di Televenezia: ringrazio Maristella e Margherita per la preziosa collaborazione, ecco il clip TV:


Intonarumori: ieri ed oggi – CD ReR – 13t-61:21

Di tentativi di restituzione del clima musicale futurista ne esiste ormai un’ampia collezione. A dimostrazione che rimane una fase artistica intrigante e per molti versi anticipatrice. Alessandro Monti é tornato a quegli anni creando un’antologia che attualizza il pensiero e le macchine di Luigi Russolo grazie al concorso di Chris Cutler, Nick Sudnick e Andrzej Karpinski, ciascuno autore di una composizione intesa a reinterpretare in maniera personale le sonorità avanguardiste dell’epoca. Un’impresa che non sarebbe stata possibile senza l’uso degli intonarumori ricostruiti con pazienza certosina dal professore veneziano Pietro Verardo a partire dal 1977 e dall’unica foto che ritrae Russolo e i suoi marchingegni. Accanto ai nuovi brani il CD contiene inoltre le registrazioni di L’angoscia delle macchine (1926) di Silvio Mix e Il mercante di cuori di Franco Casavola (1927), eseguite ne 2009 dall’orchestra I Pomeriggi Musicali diretta da Carlo Boccadoro, sempre con l’ausilio degli intonarumori di Verardo. Nell’insieme ne scaturisce un quadro composito, non didascalico, utile a leggere il passato con occhi contemporanei. (7/8 Piercarlo Poggio – BLOW UP.)

INTONARUMORI: IERI ED OGGI NEW CD (coproduzione ReR Megacorp – Diplodisc)

di Antonello Giovannelli

Facciamo questa volta un bel tuffo nel passato, 1909. Filippo Tommaso Marinetti, poeta, pubblica il primo “Manifesto Futurista” nel quotidiano francese Le Figaro. Il Futurismo era un movimento artistico e culturale che toccava trasversalmente tutte le arti, inneggiando ad una cesura netta con il passato (“passatismo”) che impediva una nuova visione più aderente al progresso tecnologico, al movimento, alla velocità che caratterizzava la vita di quei tempi. L’idea centrale era l’esaltazione di tutto ciò che era moderno, le automobili, l’industria, l’aeroplano, ma anche il patriottismo, l’esaltazione della guerra, come strumento di distruzione del passato e di occasione di un nuovo sguardo al futuro. Aneliti che peraltro troveranno corrispondenza in alcuni risvolti ideologici del regime politico che di lì a poco si sarebbe instaurato in Italia. La ricerca esasperata del movimento, del dinamismo, si tradusse, nelle arti pittoriche, in una deformazione delle immagini tesa a rendere l’idea del movimento, dell’essenza della materia nel suo evolvere nel tempo, della sua velocità. Al primo manifesto futurista del Marinetti ne seguirono altri, per le diverse discipline artistiche. Tra questi, il manifesto della Musica Futurista. Tutti questi “manifesti” erano accomunati da un linguaggio dai toni iperbolici, stralunati, violenti, da attacchi espliciti contro tutto ciò che rappresentava il passato, e comun-que un ostacolo a quella euforia progressista che sembrava dover travolgere la vita e le convenzioni della società. “E in Italia? Insidia ai giovani e all’arte, vegetano licei, conservatori ed accademie musicali. In questi vivai della impotenza, maestri e professori, illustri deficenze, perpetuano il tradizionalismo e combattono ogni sforzo per allargare il campo musicale. Da ciò: repressione prudente e costringi mento di ogni tendenza libera e audace; mortificazione costante della intelligenza impetuosa; appoggio incondizionato alla mediocrità che sa copiare e incensare; prostituzione delle grandi glorie musicali del passato, quali armi insidiose di offesa contro il genio nascente; limitazione dello studio ad un vano acrobatismo che si dibatte nella perpetua agonia d’una coltura arretrata e già morta”. Il manifesto dei musicisti futuristi era firmato dal compositore e musicologo Francesco Balilla Pra-tella, mentre la Direzione del Movimento Futurista era tenuta, per la sezione “Arte dei rumori” dal pittore, compositore ed inventore Luigi Rus-solo. Russolo non si limitò a teorizzare il nuovo corso della musica, ma costruì degli innovativi strumenti meccanici, definiti Intonarumori e successivamente, nel 1922, il “Rumorarmonio”, un dispositivo atto a sommare e potenziare l’effetto di diversi intonarumori. È noto come l’epilogo delle esibizioni in pubblico finissero sempre in rissa, sia per lo sconcerto che tali innovazioni producevano negli ascoltatori, sia per i toni comunque volutamente provocatori che caratterizzavano le “serate futuriste”. Purtroppo, gli strumenti di Russolo sono andati distrutti nel corso della Seconda guerra mondiale, e poco rimane se non alcune foto di essi (risalenti al 1920), uno schema costruttivo di uno di essi, ed alcune testimonianze sonore. Arrivando al dunque, un “tono” è caratterizzato matematicamente da un’oscillazione sinusoidale “fondamentale” collocata ad una ben precisa frequenza (frequenza = numero di oscillazioni al secondo), oscillazione eventualmente corredata di ulteriori segnali sinusoidali a frequenze multiple della fondamentale, ciascuna di una particolare ampiezza e fase a seconda del tipo di strumento (“colore” del suono). Si parla di “spettro a righe” in quanto se si osserva, una volta esaurito il transitorio corrispondente alla generazione del suono (attacco), lo spettro di frequenze di uno strumento che emette note, ci si accorge che questo è composto da una serie di righe (una o più di una, di ampiezza solitamente decrescente con la frequenza) ciascuna collocata ad una frequenza multipla della fondamentale. Quando si “intona” uno strumento, ad esempio agendo sulla tensione di una corda, si porta il valore di frequenza della fondamentale a corrispondere a quello della nota musicale che deve riprodurre. Un rumore si distingue per avere invece uno spettro di tipo “continuo”, e quindi non caratterizzato da un particolare valore di frequenza. Inoltre, anche la sua ampiezza può modificarsi nel tempo in un modo che può essere completamente casuale. Il Russolo, con il suo intonarumori, voleva rendere “suonabile” un rumore, selezionando nello spettro una porzione di frequenze che risultasse non troppo in conflitto con l’andamento di una esecuzione musicale. Se mi si concede una semplificazione audace, è come se tentassimo di cantare le note usando le consonanti (che producono essenzialmente dei rumori) invece delle vocali (che producono dei toni, con spettro a righe). I rumori che voleva intonare erano quelli che rappresentavano “la voce” della civiltà moderna: le automobili, gli aeroplani, l’industria, gli azionamenti elettrici, e tutto ciò che era collegato al progresso. Gli intonarumori erano dei parallelepipedi in legno, con altoparlante di cartone, contenenti meccanismi azionati manualmente che consentivano di generare svariati rumori la cui “intonazione” veniva effettuata attraverso una leva sulla parte superiore che andava ad agire sulle corde interne. Esistevano diverse famiglie di strumenti: crepitatori, gorgogliatori, stropicciatori, rombatori, ronzatori, scoppiatori, sibilatori e ululatori. Qual è l’eredità di Russolo, dei suoi strumenti e del manifesto della musica futurista? L’eredità diretta è modesta, a breve termine non germogliarono semi. A più lungo termine, le visioni di Russolo si sono concretizzate in diversi ambiti, musicali e non. Si pensi ai moderni generi musicali ispirati al rumore, si pensi all’uso di parole onomatopeiche adottate già nei fumetti di Walt Disney (Gulp, Sob, Sigh, Bang…). Difficile stabilire se tutto sarebbe avvenuto comunque, ovvero quale sia il peso del contributo di quelle sperimentazioni di inizio ‘900.
“Intonarumori: ieri ed oggi” (“Nuove e vecchie composizioni per intonarumori di Luigi Russolo”) rappresenta un grande atto d’amore verso una parte di storia della musica, essenzialmente italiana, sconosciuta ai più. È il risultato di un lavoro certosino di studio e di riproduzione, con uso di materiale usato all’epoca, dei mitici intonarumori. Un racconto appassionante di Alessandro Monti che si snoda come un racconto giallo dall’origine dell’idea fino ai ringraziamenti ai numerosi collaboratori che a diverso titolo hanno fornito un contributo importante. Nel CD Vengono proposte due composizioni d’epoca, di Franco Casavola e Silvio Mix, nonché undici nuovi brani originali. Gli intonarumori realizzati grazie alla passione del Prof. Pietro Verardo, alle indicazioni del pianista Daniele Lombardi (cui il CD è dedicato), producono gli scoppi, ululati, sibili, ronzii, rombi promessi, e sono magistralmente manovrati dallo stesso Prof. Pietro Verardo per fornire materia fluida ai musicisti sperimentatori Alessandro Monti, Nick Sudnick, Chris Cutler, Andrzei Karpinski. Padre di questo originale lavoro, pregevole anche per la bellissima veste editoriale (ben otto facciate ricche di informazioni e di immagini) è Alessandro Monti, cui va il plauso per un’operazione lunga, difficoltosa, fortemente voluta, perfettamente riuscita.

A.A.V.V. – Intonarumori: Ieri Ed Oggi
Diplodisc – ReR Megacorp/Recommended
Genere: Sperimentale, futurista
Supporto: cd – 2020

di Massimo Salari

“Intonarumori: Ieri Ed Oggi” è’ un importante progetto che nasce dalla collaborazione fra Diplodisc e Recommended, sempre attenta alla musica creativa.
Tutto prende spunto da ”L’Arte Dei Rumori”, manifesto del Futurismo scritto da Luigi Russolo nel 1913. Il futurismo nella musica tenta di sbriciolare come un caterpillar tutto quello che è armonia consueta e antica, suonata da strumenti ad arco, a fiato, metallici, in legno ed in pelli. Esso si contrappone con rumoristica e dissonanze create da rombi, tuoni, scoppi, scrosci, tonfi, boati, fruscii, voci animali e molto altro. Per ottenere tutto questo, Russolo crea un insieme di strumenti per cercare di dare vita propria ai suoni, essi prendono il nome di Intonarumori.
La vita quotidiana sta mutando nei primi decenni del 1900, l’industrializzazione porta a nuovi suoni di cui prima non si aveva conoscenza, rombi, suoni metallici, treni che sbuffano… La quiete in parole povere è solo un vecchio ricordo e la presunzione del futurismo risiede proprio nel fatto che esso si pone in maniera superiore rispetto al passato, con questo tenta di farsi strada in maniera prepotente. Ma è anche la necessità stessa di scoprire nuove frontiere, la voglia di sperimentare che è intrinseca nella natura umana. Abbiamo nobili esempi di chi ha cercato di dare voce a piante ed ad oggetti anche nel passato più recente con John Cage, oppure dare voce alla voce con polifonie grazie allo studio maniacale del compianto cantante dei Ribelli e degli Area, Demetrio Stratos. Dunque l’Arte Dei Rumori è un manifesto provocatorio artistico che anticipa i tempi.
Gli Intonarumori furono costruiti con un parallelepipedo di legno, in esso veniva piazzato un altoparlante di cartone o metallo nella parte anteriore. Colui che suonava, azionava leve o schiacciava bottoni per far partire il macchinario mettendo in movimento ruote di metallo, ingranaggi e corde metalliche. Le tonalità venivano cambiate tramite una leva e appunto corde.
Gli Intonarumori oggi sono ricostruiti dal prof. Pietro Verardo a Venezia, e per la realizzazione di questa opera musicale ci si avvale di un insieme internazionale di musicisti, a partire dall’inglese Chris Cutler (Henry Cow, Art Bears, The Residents, Pere Ubu, etc.), al russo Nick Sudnick (Zga, Vetrophonia), al polacco Andrzej Karpinski (reportaz) al nostrano Alessandro Monti (Unfolk).
Le immagini usate per la grafica del cd sono ad opera del pittore futurista Ivo Pannaggi (1901–1981).
Il cd ha sede in un involucro di cartone suddiviso in più ante nelle quali si possono leggere le spiegazioni sia del progetto che del macchinario sonoro, con tanto di disegno allegato.
Tredici le tracce sonore, fra vecchie e nuove composizioni, le prime otto sono “Rumori Di…” fra zelo e diligenza, pazienza, amore, generosità, generosità dei montanari polacchi, purezza, umiltà, virtù e compostezza. Le sonorità vengono registrate nel 2018 in Polonia con Andrzej Karpinski (acustica, elettronica, voce) e Pietro Verardo (intonarumori).
Ritmi automatizzati, supportati da voci, tensioni, versi di animali aleggiano nelle brevi tracce, spaziando in effetto stereo attorno la nostra mente. Non mancano momenti con percussioni e batteria.
“Quando Il Futuro E’ Il Passato” è registrato in Francia nel 2018 con Chris Cutler e Pietro Verardo. Anche in questo caso si possono ascoltare un insieme di suoni particolari che accendono la nostra fantasia. “L’angoscia Delle Macchine” del futurista Silvio Mix, è suonata dall’Orchestra I Pomeriggi Musicali diretta dal maestro Carlo Boccadoro proprio al Teatro Dal Verme di Milano nel 2009, dove in origine il brano è stato esibito nel 1914. Una sorta di fuga sonora a più riprese che può far venire alla mente l’inizio del brano “Atom Heart Mother” dei Pink Floyd.
“Protomekanika” è del 2017, registrato in Russia da Nick Sudnick e Pietro Verardo. Qui siamo nella rumoristica più totale. Segue “Il Mercante Di Cuori”, altro pezzo del 1927 suonato al Teatro Dal Verme di Milano nel 2009. Nell’insieme uno squarcio sonoro di sole.
L’ultimo brano ad opera di Alessandro Monti si intitola “Simultaneità Futurista”, e nasce all’ultimo minuto per completare l’opera. Descrive l’autore nella bio: “Era stato pensato come una variazione moderna dell’Inno Nazionale Italiano e di Va Pensiero di cui conserva alcuni passaggi nascosti, ma é approdato ad una struttura finale in cui il rumore fa da presagio a quella che ritengo sia una conclusione sinistra dell’intera opera; quel suono indistinto e nebuloso che si ripete nel finale annuncia non solo il silenzio della distruzione degli strumenti a causa della guerra, ma anche di tante vite umane… come se qualcosa si interrompesse e venisse dimenticato dallo scorrere del tempo. In origine volevo scriverne la struttura sotto forma di diagramma con i tempi, i ritardi progressivi delle tracce, gli interventi delle citazioni, ecc. Davo per scontato che il primo tentativo sarebbe stato una prova, ma quando ho riascoltato il risultato finale, non c’é stato bisogno di farne una seconda versione. Quindi non ci sono stati calcoli scritti o studi preparatori, ma solo riferimenti visivi approssimativi sullo schermo del computer.” Ovviamente stiamo parlando ancora di rumore e di suoni.
Nel 2020 poter riascoltare l’Intonarumori è un privilegio culturale e storico, chi osa nel tempo sfidare la musica è degno di attenzione, perché essa si cela in ogni dove, anche nelle vibrazioni e nei rumori, ovviamente per chi la sa cogliere. Un salto nel passato, un salto nel futuro il tutto nel presente. Jackpot!

Intonarumori a Battiti.

RAI Radio 3
BATTITI: Ad alta voce

“Alziamo la testa, facciamoci sentire” – le parole di Moor Mother segnano l’inizio della nostra puntata in cui la musica è testimonianza di incontri o scontri nella diversità

ZAÏDI EL BATNI, Malik Yo Malik, da “AA.VV., Maghreb K7 Club: Synth Raï, Chaoui & Staifi 1985-1997” – Les Disques Bongo Joe BJR045 / Sofa Records SR003
IRREVERSIBLE ENTANGLEMENTS, The Code Noir / Amina, da “Who Sent You?” – International Anthem IARC0031 / Don Giovanni Records DG-202
VIBRATION BLACK FINGER, Can You See What I’m Trying To Say, da “Can You See What I’m Trying To Say” – Jazzman Records JMANLP121
VIBRATION BLACK FINGER, Only In A Dream, da “Can You See What I’m Trying to Say” – Jazzman Records JMANLP121
AKSAK MABOUL, Dramuscule, da “Figures” – Crammed Discs CRAM 300
AKSAK MABOUL, C’est Charles, da “Figures” – Crammed Discs CRAM 300
FRANCO CASAVOLA / CHRIS CUTLER / ANDRZEJ KARPINSKI / SILVIO MIX / ALESSANDRO MONTI / NICK SUDNICK, Rumori di zelo e diligenza / Rumori d’amore / Rumori di generosità / Rumori di generosità dei montanari polacchi, da “Intonarumori: Ieri Ed Oggi” – Diplodisc DSP02‎ / ReR Megacorp ReR1913
ZEITKRATZER & MARIAM WALLENTIN, Strange Fruit, da “The Shape Of Jazz To Come” – Zeitkratzer Productions zkr0025
DAVID GRUBBS & TAKU UNAMI, The Furthest Farthest, da “Comet Meta” – Blue Chopsticks BC32
JIM O’ROURKE, Shutting Down Here, da “Shutting Down Here” – GRM Portraits SPGRM001
ZEITKRATZER & MARIAM WALLENTIN, Cry Me A River, da “The Shape of Jazz to Come” – Zeitkratzer Productions zkr0025

QUI IL PODCAST Ad alta voce 11/06/2020

Un grazie dallo staff di Intonarumori: Ieri ed Oggi!

Intonarumori a Prospettive Musicali.

Scaletta di «Prospettive musicali» del 7 giugno 2020 (broadcasting from home: Alessandro Achilli).

1. Steeleye Span: Lowlands of Holland (da Hark! The Village Wait, Rca 1970)
2. Steeleye Span: My Johnny Was a Shoemaker (da Hark! The Village Wait, Rca 1970)
3. Stormy Six: Alice nel vento (dal 45 giri Alice nel vento / Il venditore di fumo, First 1970)
4. Stormy Six: Leone (dal 45 giri Rossella / Leone, First 1971)
5. Kevin Ayers & the Whole World: We Did It Again / Murder in the Air (da The Bbc Sessions 1970-1978, Hux 2005)
6. Slovo: Call Me (da Bread & Butterflies, Camberwell 2020)
7. Golden diskó ship: Wildly Floral, Slightly Damp (da Araceae, Karaoke Kalk 2020)
8. Golden Diskó Ship: Game of Biryani (da Araceae, Karaoke Kalk 2020)
9. Ingrid Laubrock & Kris Davis: Jagged Jaunts (da Blood Moon, Intakt Records 2020)
10. Andrzej Karpiński & Pietro Verardo: Rumori di generosità / Rumori di generosità dai montanari polacchi (da aa.vv., Intonarumori: ieri e oggi, ReR Megacorp/Diplodisc 2020)
11. Chris Cutler & Pietro Verardo: Quando il futuro è il passato (da aa.vv., Intonarumori: ieri e oggi, RēR/Diplodisc 2020)

12. Soft Machine: Moon in June (da Third, Cbs 1970)

PODCASTS (in 2 parti):

Prospettive Musicali di dom 07/06 (prima parte)

Prospettive Musicali di dom 07/06 (seconda parte)

Un grazie ad Alessandro Achilli e allo staff di Radio Popolare per la segnalazione!

Dance In Opposition [new video]

Roberto Noè (aka Bob Brian), musicista e regista ufficiale del progetto, ha firmato uno dei video più straordinari della sua carriera (!) ed il pezzo non poteva essere più lontano dal primo video con Tim Bowness! A mio parere é un mini-capolavoro pop-art in cui é riuscito ad inserire, con un lavoro certosino, tutti gli spunti possibili immaginabili per far riflettere sulla stato attuale della musica; la lavorazione del clip é durata vari mesi tra mille problemi, ma finalmente la versione definitiva é pronta. “Dance In Opposition” é presente nel doppio cd in 3 versioni diverse: un vero lavoro di gruppo, provocatorio ed ambiguo con elementi musicali/testuali provenienti da ogni stile perchè nella filosofia unfolk music is one .
Per chi fosse interessato, il doppio cd é DISPONIBILE ad un prezzo equo in selezionati negozi della vostra zona o direttamente qui:
Grazie in anticipo per il sostegno all’interno dello stesso sistema cui si rivolge la critica insita nel testo; il sabotaggio artistico attraverso l’intrattenimento potrebbe essere l’unica via d’uscita da una situazione di sottocultura e abuso di potere che ha anestetizzato il pianeta in modo (quasi) irrimediabile. Sto parlando dell’arte naturalmente… ma anche di aspetti ben più gravi come il clima.
MP& Records ci ha lasciato tutta la libertà possibile e a loro va un ringraziamento speciale.


Non passa giorno che al Telegiornale non si parli delle innumerevoli sbalorditive “visualizzazioni” dell’ultimo pseudoartista di turno, come se la musica fosse ormai ridotta a mera finzione video, un mordi e fuggi da smartphone, un inutile sforzo senza senso. I grandi esperti di musica e spettacolo dei notiziari, inebriati dall’ultimo gergo alla moda, dedicano ampi spazi ai più inutili personaggi e vogliono farci credere che il termine “visualizzazione” corrisponda al nuovo traguardo, sostituendo così l’obsoleto termine “vendita”, ormai sparito sia dal concetto fisico che da quello di download… dal momento che tutto é servito su un piatto d’argento da google e dai suoi files “auto-generati”. Più “visualizzazioni” hai più sei arrivato, ma arrivato dove? Il concetto di “vendita” non viene più nemmeno preso in considerazione, sembra che tutti siano inermi di fronte a un simile fenomeno; le eccitanti “views” stanno gradualmente e sistematicamente sostituendo il normale rapporto equo di produzione/fruizione tra artista/utente. Ma proprio qui sta il paradosso: se il termine “vendita” un tempo era sinonimo di musica commerciale, oggi diventa a mio parere la bandiera alternativa da sventolare ai 4 venti: la prova di un corretto rapporto tra produttore e fruitore. Come non vedere che tutto é abilmente studiato per riuscire a catturare sempre più utenti e realizzare la sottomissione al nuovo mezzo digitale? Sembra uno scherzo o una moda come un’altra ma é molto, molto di più, un riflesso di una trasformazione sociale molto seria. Tale terminolgia alla moda, ostentata quasi a sfidare tutti coloro che non si adeguano ai tempi, non denota affatto modernità o evoluzione, ma solo un assenza di capacità critica e di analisi dei fenomeni culturali: proprio questo é il fulcro del progetto, cioè togliere di mezzo ogni idea creativa e autonoma riguardo all’arte. Così a guadagnarci non sono più gli artisti o gli editori, ma google e le compagnie telefoniche che passano come un bulldozer sul diritto d’autore e sugli stessi artisti, privilegiando campi più redditizi della futile musica. Quali interessi si celano dunque sotto tali pratiche? Tutti attendono una risposta che é lontana dall’essere formulata, ma facilmente immaginabile ad un attenta lettura. I fautori del free download avevano iniziato l’opera anni fa, incuranti di cosa avrebbe portato, consentendo ai colossi di internet di appropriarsi di tutto il possibile… in fondo era questo quello che volevano, no?

In sintesi: é così dunque che si misurano oggi il valore e lo spessore di un artista? E’ bene ribadire ancora una volta che le visualizzazioni non sono traguardi, ma semplicemente dei veloci passaggi che non contano nulla e sono spesso interrotti dallo stesso utente che non sa più nemmeno cosa significhi ascoltare un intero pezzo (figuramoci un album!). Tali “views” portano infatti solo una sorta di notorietà fittizia nel web ingigantita dalla falsa informazione dei vari notiziari, telegiornali, social networks e talent shows… anch’essi parte del grande progetto.

Dal punto di vista artistico l’uso banale dei video ha portato ad una vera e propria crisi del mezzo stesso, un tempo interessante forma espressiva come una sorta di “televisione alternativa” e orientata ad un concetto multimediale dell’arte che oggi sembra aver perso ogni significato, ingabbiato dalla sottocutura dai miraggi dell’affermazione personale e del successo.

Resto dell’opinione che essere presenti in rete oggi può essere solo un riferimento per chi cerca qualche notizia su un autore o su un lavoro fisico, ma che il tutto risulta sempre più dispersivo e deprimente… é davvero impossibile orientarsi in un mare di pagine futili, pubblicità fuorvianti, false notizie, siti civetta e pagine che si aprono senza il nostro consenso: questo modo di “promuovere” la musica é un gatto che si morde la coda in un circolo vizioso che punta all’esatto contrario: essere fagocitati dal sistema capitalistico, oppressi, fottuti.

E allora arrendiamoci all’evidenza senza disperare perchè esiste una soluzione per chi continua a produrre dischi: la “visibilità” degli stessi attraverso concerti, showcases, fiere, mercatini e mostre per appassionati. Ovviamente sta a tutti noi diffondere la controinformazione e la vera cultura musicale e letteraria. Dare tutto per scontato non va bene: é ora di dimenticare le visualizzazioni e lavorare per far conoscere e vendere i nostri lavori nella vita reale: solo così si tornerà ad ascoltare veramente e ad un corretto rapporto produttore/fruitore, cosa che é stata gradualmente smantellata da un invisibile e sapiente Burattinaio. Forse alcuni ricorderanno che avevo intuito molti anni fa l’inizio di questa nuova era di falsa libertà attraverso l’uso indiscriminato del free download e la romantica idea dei creative commons: un mio vecchio intervento nei socials aveva scatenato un vespaio… non mi sbagliavo, ma il tutto é andato ben oltre a mia immaginazione.



Tim Bowness, cantante ed esperto di distribuzione indipendente, mi ha inviato questo prezioso contributo sullo stato attuale della musica (alla fine cliccare sul link per leggere l’intera intervista):

It’s clear the streaming companies have absolutely no interest in the livelihoods of musicians. As we’ve seen, they are willing to stoop to legal action to keep royalty rates as low as possible. Why are only a small percentage of musicians are willing to express their outrage at this reality?

That I can’t explain.
For reasons I’m happy to go into, I find streaming a little inadequate as a means of experiencing music, though I completely understand why people use and like it. More importantly, I think that if it does become the sole future for music, it would mean the fall of many independent music labels, the loss of even more music industry jobs, and the almost total disappearance of income for most musicians—especially non-mainstream artists who are already finding things tough.
What the digital companies pay for streams is pitiful and what little they pay is filtered through aggregators, collection agencies or labels. For context, to break even on one of my relatively inexpensive albums, I’d probably need to generate 5,000,000-plus streams, which is unlikely.
While musicians have sleepwalked into allowing their work to be sold for virtually nothing in the digital world, the publishing, TV and film industries have managed to protect their “talent” from being exploited. With films, despite the triumph of streaming and the collapse of DVD and Blu-ray sales, there’s been an increase in cinema attendances. For instance, 2018 was the best in 48 years in the UK. Additionally, Netflix and Amazon pay the going rate, if not more, to create their own content and also pay decent licensing fees for other programs and movies. I’m not sure why there isn’t a decently-funded Amazon or Spotify music label equivalent of a Netflix Original.
The book as an object is still attractive to readers. I don’t know what’s happening elsewhere, but physical book sales in the UK are still strong and stores such as Waterstones are one of the only success stories on the British High Street. Also bear in mind that Kindle prices aren’t that far off book prices and offer more royalties for the authors. If a Kindle sale is equal to an album download, there is no streaming equivalent for books.
The important thing is that the film, TV and publishing companies still seem to place a value on content, artists and the unsung technicians and editors that help bring these things to life.
Unfortunately, it does appear that the remaining major labels are actively trying to kill physical music media, much as they tried to do with vinyl in the early 1990s. We’re lucky in the UK with HMV still surviving and a healthy number of decent independent record stores keeping afloat, but in the US there doesn’t seem to be a major retail outlet selling CDs or LPs, and globally the death of the CD is being hastened by cars and computers no longer having disc drives and electronics stores stopping selling CD players.
For the major labels, who have decades of back catalog to offer digital platforms, no physical media will mean costs are down as they no longer need product manufactured, warehouses to store the product in, staff to run the warehouses and so on. Digital marketing, data uploaders and influential playlist placement are the growth areas.
Profits from streaming are filtering through to major labels, label shareholders, digital music companies, and mobile phone and Internet providers. Whether by accident or design, corporate control is stronger than it ever was and musicians in general earn less than they ever did. This doesn’t take into consideration engineers, producers and music studios, which also face massive pressure from home studios and reduced recording budgets. The diminishing number of audio experts are also being devalued in this environment.
Burning Shed deals with some artists, both well-known and obscure, whose business models revolve around releasing two or three albums a year, pressing a thousand or more CDs of each release, and subsequently selling them online and at concerts. It’s not a path to wealth, but it provides enough of an income for them to keep doing what they do. Vinyl is very expensive to manufacture and not guaranteed to sell, so if CDs died, an income solely derived from streams of a few thousand would necessitate these artists having to give up or just do what they do as a hobby.
I also feel that streaming is destroying good listening habits, and partly as a result of that, negatively impacting on the nature of music creation itself. The format is immediate, disposable and, above all, convenient. The appeal is obvious, but evidence suggests that the average listener has become more like an A&R person and gives a song only a few seconds to impress them.
When you invest in an album or single, you tend to give it time. I personally enjoy the immersive ritual of losing myself in music while poring over the credits and artwork on gatefold LP or digipak CD, and I find that if I don’t immediately like something, I’ll give it a few more chances due to that investment. Some of my favorite music I initially hated and even if I continued to hate something, I found I’d learned something about my tastes on the repeat listens. For some people it will be different of course, but in general I don’t think streaming encourages deep listening.
I use streaming and YouTube purely to see if I like something and want to buy it. As a packaging junkie, one of my great frustrations is that expanded artwork and detailed information, sometimes including correct release years, are pretty much non-existent via streaming platforms.
Outside of this, the number of financially equivalent streams to physical sales in the album chart is too low, by about half in relation to CD and double that again in relation to LPs. The top-100 UK singles chart is now 100% stream dominated, and the album chart is following suit with 60%-70% of entries now determined by streams. Partly as a result of this, we have the least musically diverse and most static charts in living memory. Charts are vanity, but they also dictate what gets radio and TV plays and mainstream media attention, so they remain important.
Fans don’t owe musicians a living, but I think the realities of what the digital era is doing to music should be discussed more openly. Most listeners don’t care how the music they like is made and what it costs to make it, and why would they?
The problem is that while streaming may have enhanced the visual entertainment industry, and so far bypassed the publishing industry, it’s laying waste to all but a few big companies and mainstream artists in the music world. Maybe it’s all part of a process and the sort of music I like and make are on their way out like the silent movies, but I still feel there’s a very strong public interest in all kinds of music and I think it’s something worth fighting for.
A simple question to ask is: is it right that streaming platforms and mobile phone companies do better out of music streams than the musicians themselves? It’s as if in the age of vinyl, the manufacturing plants and plastic companies were making a fortune while the musicians busked on the streets for pennies.
I’ll stop here, but needless to say I think it would be a great shame if physical music media disappeared altogether and I believe the ramifications of a streaming-only future based on the current business models will mark the end of many careers, strengthen corporate influence, and mean less interesting and less diverse music being made.


What advice do you have for artists to attempt to monetize recordings in the current environment?

Maybe it’s as it should be, but if I were to start now, I’m not sure I’d know what to do. It was difficult in the 1980s and 1990s when only around 0.1% of aspiring musicians ever made it to releasing something properly, but it’s even more difficult now.
There will always be big new mainstream artists, and some of them will be interesting. There will always be music used in film and television. And the justifiably legendary likes of Pink Floyd, The Beatles, Radiohead, Prince, and Marvin Gaye will likely thrive in perpetuity due to the cultural impact they’ve already made.
For new or lesser-known non-mainstream musicians, I’m not sure how they’d go about gaining a significant foothold in the new world order, but nothing’s impossible.
New ethical streaming companies could emerge. The existing ones could suddenly see what they’re doing isn’t fair, form labels and pay more. The public could learn to love music packaging again—much as it fell back in love with the book. The album as app—something I’ve had in mind for a decade or so—could emerge as a serious income provider. The more Internet speeds increase, device memories expand, and programming expertise spreads, the more it could become an everyday reality.
My current advice is to go against what prevails. Create the most beautiful, lavish and ambitious music and artwork you can and provide an experience that the streaming platforms can’t.

Tell me something positive about being a recording artist in 2019.

Despite all the above, it’s still a thrill being able to make music. From writing and completing songs to seeing the final release, it remains exciting and emotionally fulfilling to me.
Improved home studio technology has made creating high-quality work far easier and while sometimes feeling like a Pandora’s Box that should never have been opened, the Internet has brought fans and musicians closer together and enabled different ways for musicians to successfully work outside of the industry mainstream.
Technology moves on. Attitudes change. Nothing is ever guaranteed.

Tim Bowness – Instinctual reality by Anil Prasad
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